Для детей про театр и балет: краткая история возникновения

Балет доклад

Творчество писателей Балета всегда отличалось от других авторов, которые занимались созданием различных творческих проектов и продолжают это делать.

Балет представляет собой отдельный вид искусства, который позволяет еще глубже понять мировую культуру и почувствовать реальные эмоции, которые можно испытать только во время балета.

Творчество Балета можно разделить на несколько уровней. Для того, чтобы разобраться в нем детально нужно начинать с самых азов, которые некоторые школьники проходят еще во время обучения в школах и колледжах. Данное направление искусства является довольно необычным, но при этом дает возможность проникнуть в суть произведения буквально с первых минут.

В русской литературе балет является отдельным направлением, которое хорошо сочетается между собой с другими вариантам творческой деятельности. Балетные произведения по мотивам русских сказок являются самыми простыми для восприятия, но, однако и их можно трактовать совершенно по-разному.

Одним из самых ярких произведения является балет Щелкунчика, который несмотря на свою детскую наигранность способен легко передавать эмоции и чувства, в том числе любовь, преданность и так далее. Впервые данный балет был представлен в 1982 году. С того момента его неоднократно меняли и совершенствовали, но тем не менее он остается одним из самых востребованных.

К ярким произведениям балета можно отнести: Спящую красавицу, Конек-Горбунок, Золушку, Каменный цветок, Жар-птицу, Шехерезаду и так далее. Все они были детскими произведениями, но в балет смогли показаться с новой стороны, став довольно интересными и запоминающимися балетными этюдами.

Творчество писателя Балет всегда было невероятно интересным. Все дело в том, что авторам в балете удавалось передать всю суть каждого произведения. Всемирная известность позволила Балету стать интересным направлением творческой деятельности, которое продолжает оставаться популярным и в наши дни.

На сегодняшний день далеко не все могут оценить Балет и понять его суть. Вот только, именно этот вид глубокого искусства является очень интересным и разнообразным. Понимать его можно без слов, просто чувствуя то, что происходит на сцене своей душой. Писатели неоднократно старались проникнуть именно в душу будущих поклонников и сделать это у них вполне удавалось, учитывая ошеломляющий результат произведений, которые становились легендарными и пользовались успехом у поклонников.

Творчество писателя Балет было многогранным и весьма непростым на первый взгляд. Но оно позволило раскрепостить души многих людей, дав им возможность мыслить шире и понимать то, что происходит в глубине сердца.

7, 8 класс по музыке, 5 класс

Развитие уличного театра

Уличный театр по праву считается одним из самых древних видов театрального искусства. Представления были посвящены, прежде всего, разному времени года. В них развивалась тема возрождения и увядания природы, поэтому они носили обрядово-ритуальные действа.

Уличные представления происходили во время праздников, а устраивали их по просьбе знатных особ. Они проходили в форме длительных шествий, которые сопровождались плясками. Актеры постоянно обменивались шутками, выкриками и пели песни. Спустя время эти действия трансформировались в сатуры (жанр римской литературы), которые исполняли гистрионы. Такие мероприятия полюбились народу, поэтому сохранялись на протяжении многих веков.

Для уличных представлений характерна черта – отсутствие разделения на актеров и зрителей. Спектакли театра подобного рода отличаются интерактивностью – зритель принимает участие в действии, а нередко даже влияет на ход событий.

Про балет для детей кратко

Несмотря на то, что танцы украшают жизнь человека с древних времен, балет – молодое искусство. Родился он более 400 лет назад Северной Италии. В ту пору итальянская знать любила дворцовые увеселительные мероприятия, и особое место в них занимали танцы. Обычные пляски не подходили для придворных особ. Поэтому были учителя танцев – балетмейстеры, в обязанности которых входила репетиция движений, постановка фигуры. Так танец стал все более театральным.

Слово «балет» произошло от итальянского танцевать. Термин зародился в конце XVI века. Но в ту пору он означал не театральную постановку, а всего лишь отдельный танцевальный эпизод. После нескольких таких эпизодов начинался «большой балет», то есть сам танец.

Первым балетным спектаклем считают «Комедийный балет Королевы», который состоялся во Франции в 1581 году. По этой причине дальнейшее развитие балета происходило в Париже, где впоследствии открылась Парижская опера.

Театр – удивительное и интересное место, где происходят волшебные события. Там можно посмеяться и поплакать, задуматься о жизни, проникнуться сочувствием к другим людям. Чтобы увидеть представление, нужно прийти в театральное здание, где всегда ждут своего зрителя актеры, готовые дарить ему живые эмоции.

https://youtube.com/watch?v=5_uRiaPPqaU

История балета

Подробности: Опубликовано 10.03.2018 21:00

Балет – вид искусства, в котором замысел творца воплощается средствами хореографии. Балетный спектакль имеет сюжет, тему, идею, драматургическое наполнение, либретто. Лишь в редких случаях имеют место бессюжетные балеты. В остальных же хореографическими средствами танцоры должны передать чувства персонажей, сюжет, действие. Танцор балета – это актер, при помощи танца передающий взаимоотношения героев, их общение друг с другом, суть происходящего на сцене.

История возникновения и развития балета

Балет появился в Италии в 16 столетии. В это время хореографические сценки входили как эпизод в музыкальное представление, оперу. Позже, уже во Франции, балет получает развитие как пышное, возвышенное придворное действо.

Днем рождения балета во всем мире принято считать 15 октября 1581 года. Именно в этот день во Франции на суд публики свое творение представил итальянский балетмейстер Бальтазарини. Его балет назывался «Церцея» или «Комедийный балет королевы». А продолжительность представления составляла около пяти часов.

Первые французские балеты в своей основе имели придворные и народные танцы и мелодии. Наряду с музыкальными, в спектакле были и разговорные, драматические сцены.

Развитие балета во Франции

Росту популярности и расцвету балетного искусства способствовал Людовик 14-й. Придворные дворяне того времени с удовольствием сами принимали участие в спектаклях. Даже лучезарный король получил свое прозвище «Король-солнце» из-за роли, которую он исполнил в одном из балетов придворного композитора Люлли.

В 1661 году Людовик 14-й стал основателем первой в мире балетной школы – Королевской Академии танца. Руководителем школы стал Люлли, который определил развитие балета на следующее столетие. Так как Люлли был композитором, то он постановил зависимость танцевальных движений от построения музыкальных фраз, а характер танцевальных движений – от характера музыки. В сотрудничестве с Мольером и Пьером Бошаном – учителем танцев Людовика 14-го – создавались теоретические и практические основы балетного искусства. Пьером Бошаном начала создаваться терминология классического танца. По сей день термины для обозначения и описания основных балетных позиций и комбинаций употребляются на французском языке.

В 17 веке балет пополняется новыми жанрами, такими как балет-опера, балет-комедия. Предпринимаются попытки создать спектакль, в котором бы музыка органично отображала сюжетную линию, а танец, в свою очередь, органично вливался в музыку. Таким образом, закладываются основы балетного искусства: единство музыки, танца и драматургии.

Начиная с 1681 года, участие в балетных спектаклях становится доступным для женщин. До того времени танцовщиками балета были только мужчины. Свой законченный вид, как отдельный вид искусства, балет получает лишь во второй половине 18-го века благодаря сценическому новаторству французского балетмейстера Жан Жоржа Новера. Его реформы в хореографии отводили активную роль музыке, как основе для балетного спектакля.

Список литературы:

Баланчин, Д. 101 Рассказ о большом балете / Д. Баланчин, Ф. Мэйсон; пер. с англ. У. Сапциной. – Москва : КРОН – ПРЕСС, 2000. – 494 с.

Балет : энциклопедия / гл. ред. Ю.Н. Григорович. – Москва : Советская энциклопедия, 1981. – 623 с.

Белова, Е.П. Русский балет : энциклопедия / Е. П. Белова. — Москва : Большая Российская энциклопедия: Согласие,1997. – 632 с.

Гольцман, А.М. Советские балеты: краткое содержание / А.М. Гольцман, С.В. Аксюка. – Москва : Советский композитор,1984. – 320 с.

Лопухов, А.В. Основы характерного танца / А.В. Лопухов. – 2-е изд. — Санкт-Петербург : Лань, 2006. – 344 с.

Пасютинская, В.М. Волшебный мир танца: книга для учащихся / В.М. Пасютинская. – Москва: Просвещение,1985. – 223 с.

Тарасов, Н.И. Классический танец: школа мужского исполнительства / Н.И. Тарасов. — 3-е изд. – Санкт-Петербург : ЛАНЬ, 2005. – 496 с.

Web-ресурсы:

История балета / АО «Аргументы и Факты». — Электрон. дан. – , 2018. – Режим доступа: www.aif.ru/archive/1697075, своб. – Загл. с экрана

История балета / Летние балетные сезоны. — Электрон. дан. – , 2018. – Режим доступа: http://ballet-letom.ru/ru/история-балета, своб. – Загл. с экрана

Драма

История драматического театра восходит к античным временам. Это один из видов искусства, вместе с театром кукол, пантомимы, оперой и балетом. Главная отличительная черта драматического театра – действия актера сочетаются с произнесенными им словами

Сценической речи уделяется в этой разновидности жанра особенное внимание. Основой драматического спектакля является пьеса. В процессе актерской игры возможна импровизация, действие может включать танец, пение

Спектакль строится на основе литературного произведения. Главным интерпретатором пьесы или сценария является режиссер

В процессе актерской игры возможна импровизация, действие может включать танец, пение. Спектакль строится на основе литературного произведения. Главным интерпретатором пьесы или сценария является режиссер.

Довольно примечателен тот факт, что у работников театра считается, что уронить сценарий – не к добру. Если эта неприятность произошла, надо обязательно на него сесть.

Это интересно: История создания телевидения

Интересные факты

За время своего существования балетный жанр собрал немало интересных фактов:

Родиной этого вида искусства считается Италия. Именно оттуда оно попало во Францию, а затем получило распространение во многих европейских странах.
Название жанра происходит от итальянского слова «ballo», что в переводе означает «танец».
Вначале балет не требовал от исполнителей значительной физической подготовки. Но затем итальянская балерина Мария Тальони начала танцевать на кончиках пальцев. Именно это и стало новым вектором в развитии искусства.
В течение нескольких веков русский балет был так популярен, что европейские исполнители нередко брали себе псевдонимы на русский манер.
В среднем прима-балерина использует 300 пар балетных туфель в год. Это значит, что их расход составляет больше 1 пары в день.
Профессиональные занятия этим видом искусства создают серьезные нагрузки на организм. Потому балетные танцоры в среднем болеют в несколько раз чаще, чем обычные люди.
Вначале участие в балетных постановках принимали исключительно мужчины.
Вместо тухлых помидоров в балете используется завернутый в газету веник, который бросают на сцену.
В течение одного выступления танцор поднимает партнершу примерно 200 раз. Это значит, что суммарный вес, который ему приходится поднимать, составляет 10 тонн.

В Туркменистане балет с 2001 года находится под запретом.
Балетные пачки делают вручную. На одно изделие уходит 13-15 метров тюля. При этом его пошив занимает несколько суток.
Первые балетные пачки были придуманы примерно 180 лет назад. С того момента они почти не поменялись.
Люди искусства весьма суеверны. К примеру, балерины заходят в гримерку исключительно с левой ноги.
Наиболее популярным балетным спектаклем в мире считается «Лебединое озеро».

Виды театрального искусства

Согласно I Made Bandem и Sal Mugiyanto (1996), по типу театральное искусство делится на два типа. А именно традиционный театр и современный театр.

1. Традиционный театр

В мире традиционный театр также называют региональным театром, который распространяется по всему миру. Обычно рассказы в традиционном театре отражают местную культуру и передаются импровизированно (без сценария).

Примеры традиционного театра

Теневые куклы,
Банжет,
Лонгсер,
Огель,
Реог,
Кукольные люди,
Маска Чиребона,
Ангклунгский клоун,
Ваянг Голек с Западной Явы
Реог Поного,
Людрук с Восточной Явы-Кетопрак,
Ваянг Сукет,
Кетек Оглег,
Фарс,
Скандул из Центральной Явы
Ленонг и Топенг Блантик из Бетави

Характеристики традиционного театра

Традиционный театр имеет следующие характеристики:

Постановка открытой сцены (поле, домашняя страница),
Простая постановка,
История передается из поколения в поколение.

2. Современный театр

В общем смысле современный театр — это театр, повествование которого основано на текстах и научных источниках с Запада, а также на материалах повседневных событий или литературных произведениях.

Примеры современного театра

Драма
Театр
Мыльные оперы
Фильм

Характеристики современного театра

Этапы по порядку
Есть сюжетный сеттинг
Закрытая сценическая площадка

Про кукольный театр для детей

Истоки кукольного мастерства уходят корнями в первобытные времена, когда у каждого племени было свое тотемное животное. Символическому изображению поклонялись, его восхваляли. Считалось, что оно наделено магической силой, поэтому часто с этим олицетворением божества проводили различные обряды и ритуалы.

Такие тотемы изготавливали и на Руси. Они напоминали небольших кукол. Их задачей являлась защита маленьких детей от сглаза, нечисти. Время шло, и тотемы стали игрушками. Малыши охотно играли с ними, инсценируя разные ситуации и придумывая истории.

Появлением театральных кукол мы обязаны грекам. В Греции была заложена традиция устраивать семейные спектакли с участием кукол. К ним тщательно готовились: сначала шили кукол, затем наряды к ним, а также создавали декорации. Первые экземпляры, которые двигали руками с помощью ремней, привели публику в восторг.

Со временем кукол поместили в специальные ящики с отверстиями, откуда они выглядывали. С такими ящиками кукольники путешествовали по городам и собирали публику. В период Средневековья представления устраивали на ярмарках или площадях города.

Доклад №2

История есть у всего. Свою историю имеет и театральное искусство. Театр появился более двух тысячелетий лет назад, но он всё ещё продолжает развиваться.

Театр появился в Афинах в 5 веке до.н.э. Ни один религиозный праздник не проходил без театральных представлений. Изначально театр был предназначен для развлечения публики, с помощью сценок и песен в форме трагедий. Позже к представлениям был отнесен и комедийный жанр.

Первые представления были приурочены к религиозному празднованию Великих Дионисиев. Праздник сопровождался шествием со статуей бога Диониса, песнями и играми в драматическом стиле.

Важно, что любое представление могло быть показано единожды, при этом драматург должен был полностью выкладываться в своё представление. Он (драматург) не только писал пьесу, но и выполнял роль актера, режиссера, балетмейстера и композитора. Из этого следует, что драматургом мог стать только талантливый человек

Из этого следует, что драматургом мог стать только талантливый человек.

Кроме драматургов, в театральном искусстве были руководители хора или хореги. С хорегами было всё проще. Руководитель мог не обладать талантом, но должен был иметь деньги и связи со служащими. Его обязанностью было материальное финансирование и оплата счетов театра.

Существует несколько особенностей в театре и театральных представлениях того времени:

Реализм. В Риме ценились выступления, в которых актер полностью вживался в роль и при необходимости был готов умереть.
Выступающими были мужчины(независимо от роли).
Актеры всегда выступали в масках (чаще всего в гротескных).
Все лица, участвующие в жизни театра, освобождались от налогов.
Греческие театры не имели крыш, но имели весьма внушительные размеры. Деревянные помосты античных театров вмещали до 44 тыс. человек.

Первый каменный театр построили в 6в.до.н.э.

Изначально представления могли посещать материально обеспеченные люди, но с приходом к власти Перикла, театр стал доступен всем гражданам.

Куклы в театре

Зарождение кукольного театра произошло в Египте. Изначально куклы использовались в жреческих обрядах, как часть поклонения культу предков. Позже оттенок религиозности исчез, и на его место встало высмеивание пороков и критика, за счёт образа куклы.

Театр в отечественной истории

Историю театра России делят на следующие этапы:

Игрищный или начальный.
Средний.
Зрелый.

Начальный период берет своё начало в 11 веке(первое упоминание в 1068 – скоморохи). Актером в период игрищ(выступления) мог стать любой, но должность считалась постыдной, а самих скоморохов считали слугами дьявола, а их игру – грехом. Сами представления имели вид сатиры.

Средний этап начинается в период правления Алексея Михайловича и длится до Петра Первого. Петр любил зрелища, но кроме развлекательной функции, к театру приобщили пропагандистскую. В период правления Петра театр стал общедоступным и популярным местом для людей.

Зрелый этап начинается с открытия Императорского театра(30 августа 1756) и продолжается по сей день. Именно в зрелый период, театр стал тем, что люди представляют и видят в настоящее время.

Для детей

Театры Европы

Когда произошло грандиозное падение Римской империи, античные театры прекратили свою деятельность. Христиане постоянно презирали актеров, за их откровенное лицедейство на сцене, и нередко исключали театралов из своих общин. Театр создавался сначала, уже на основе новых традиций, религиозных праздников. На сцене теперь проводились инсценировки богослужений. Начиная с шестого века, люди разыгрывали спектакли на большие церковные праздники, включая Пасху и Рождество. В качестве главных «актеров» были представлены священники. Вскоре литургические представления стали очень насыщенными и яркими. Все время в них вносились новые кардинальные изменения. На сцене начала активно отображаться жизнь святых со всеми их деяниями. Тексты для представлений писали талантливые поэты, под руководством христианской общины. В сюжете не допускалось неприличных или комедийных моментов.

Это интересно: История создания сумки — разъясняем по полочкам

Первый детский театр в России

Сегодня детский театр – это театральная постановка для юных зрителей по мотивам народных сказок, старинных преданий и современных историй. Причем представления могут быть разными: от классических спектаклей до интерактивных игр. Но в далеком 1779 году все выглядело совершенно не так…

Свою задумку о детском театре гениальный ученый Андрей Тимофеевич Болотов лелеял давно, но осуществить мечту ему удалось только на свое 41-летие. Детский театр, в интерпретации А. Болотова, представлял собой постановку, где в роли артистов выступали юные жители Богородицкого дворца, в т. ч. и его сын – Павел Болотов.

Главной целью детского театра Болотова было обучение юных душ основным принципам морали, различию между: добром и злом, искренностью и фальшью, щедростью и жадностью, трудолюбием и ленью.

Для собственного детского театра А. Болотов сам написал многие пьесы, которые носили воспитательный и назидательный характер. И они не были детскими! Среди них наиболее известны: «Несчастные сироты», «Честохвал», «Награжденная добродетель». Болотов считал, что такие серьезные постановки помогут подготовить ребенка к взрослой жизни. И поэтому никаких поблажек для юных актеров! Дети не играли в постановках – это был труд, тяжелый ежедневный труд, наравне со взрослыми.

Богородицкий дворец, ныне музей-заповедник, Богородицк, Тульская область

Представления первого детского театра в Богородицком дворце собирали аншлаг. На спектакли съезжались люди со всей округи и других городов.

Первый детский театр А. Болотова стал прототипом привычного нам театра: со сценой, зрительным залом, суфлерской будкой, поднимающимся занавесом. А. Т. Болотов был хорошим художником, поэтому все декорации он рисовал сам. Им же были изобретены двойные кулисы, позволяющие быстро сменять декорации.

Вскоре на основателя детского театра начались нападки. Главным обвинением было то, что дети совершенно забросили учебу и трудятся наравне со взрослыми. А. Т. Болотов вынужден был покинуть Богородицк, и с его отъездом театр перестал существовать.

Самый знаменитый театр Москвы

История Большого театра начинается с даты 28.03.1776 г. Именно в этот день в Москве императрицей Екатериной II была подписана «привилегия» для князя Петра Урусова, разрешающая ему содержать театр в течение десяти лет. Назывался он сначала Петровским театром (в честь улицы, на которую выходил вход). В 1805 году здание полностью сгорает, архитектором Осипом Бове создается новый проект. В 1820 году начинается строительство, продолжающееся 5 лет.

Построенный театр стал больше, поэтому и получил такое название. Радовало это прекрасное, гармоничное, богатое здание жителей Москвы до 1853 года, когда случился второй пожар. На этот раз реконструкция была доверена архитектору Альберту Кавосу. Восстановлен театр был уже в 1856 году. Императорский Большой театр стал известен не только в России, но и в мире: здесь была великолепная акустика. В 1917 году после Революции, название было изменено на Государственный Большой театр. Убранство было дополнено советской символикой.

Он серьезно пострадал во время Великой Отечественной войны, приняв на себя бомбу. Здание снова реконструировали. До 1987 года постройка подвергалась только небольшому косметическому ремонту. Сейчас Большой театр – это здание с новой сценой, где можно использовать современные эффекты. В то же время, оно сохранило дух классической архитектуры, свою «фирменную» акустику, что дает ему право считаться одним из лучших театров в мире. Вот такая история у Большого театра.

И напоследок еще один, не менее интересный факт. Фильмы, действие которых полностью или частично происходит в театре: «Бердмэн», «Горе-творец», «Ла-Ла Ленд», «Призрак оперы», «Бурлеск сказки», «Нокаут», «Натыкаясь на Бродвей», «Черный лебедь», «Кукловод», «Ужасно большое приключение», «Влюбленный Шекспир», «Убийство в маленьком городке», «Набережная Орфевр».

История театра (драматического и остальных жанров этого искусства) будет развиваться и дальше, так как интерес к нему остается неизменным уже более двух тысяч лет.

Архитектура древнегреческого театра

Орхестра

В Древней Греции театр располагался на открытом пространстве. Он представлял собой круглую площадку (орхестру) и места зрителей, расположенные полукругом на склоне холма.

Изначально орхестра представляла собой место, где приносилось жертвоприношение Дионису. Впервые она появилась у склонов Акрополя в Афинах. На ней танцевали и пели дифирамбы в честь Диониса. В центре орхестры стоял жертвенник. На его ступенях играл флейтист-авлет или стоял актер-протагонист, отвечающий хору. Жертвенник оставался на своем месте и позднее, когда уже о культе Диониса не было речи, как дань традиции.

Места для зрителей ‒ театрон

Сначала люди просто сидели на склонах холма. Позднее для них были построены сиденья: деревянные, потом каменные. Они располагались полукругом вокруг орхестры. Внизу находились места для знати, почетных граждан и жрецов. Они могли быть с каменными спинками и балдахинами для удобства. Выше находились места для “среднего класса” и наверху для бедноты. Продольные проходы (пароды) делили места на сектора и на верхние и нижние места.

Скена

В V веке до н.э. позади орхестры появляется скена. Первоначально это палатка для переодевания актеров. Позднее скена представляет собой архитектурную конструкцию, примыкающую к орхестре и изображающую храм или дворец. Она представляет собой сценический задник. По бокам к скене пристраиваются проскении для улучшения акустики. В них хранился актерский реквизит, а также они использовались в качестве декораций. Греки использовали расписные декорации и механические машины в своих пьесах. Весь театр был построен таким образом, что в нем сохранялась отличная слышимость так, что на самых высоких местах люди слышали реплики актеров.

Древнегреческий театр был уникальным явлением, оказавшим огромное влияние на мировую культуру. Основные принципы античного театра используются и сейчас в драматургии. Тогда и в наше время, театр служил подобием зеркала, в котором общество могло разглядеть свои проблемы и недостатки.

До начала спектакля

Мы входим в театр с центрального входа. Чтобы пройти в гардероб, нужно предъявить билет контролеру. В театре таких служащих много, мы еще встретим их в фойе, на ярусах, в зале. Человек, встречающий вас при входе и проверяющий билет, называется капельдинер.

Капельдинер — служащий театра, который проверяет билеты, помогает отыскать ваше место в зале, продает программки. Словом, капельдинер — это ваш проводник в театре.

ТЕАТРАЛЬНАЯ ПРОГРАММА — красиво оформленный листок бумаги, сложенный вдвое, с логотипом театра и всеми данными про спектакль, который вы пришли смотреть. В программке указываются:

на первой внутренней странице — название пьесы и ее автор, жанр спектакля, постановочная группа, в которую входят режиссер, художник, художник по свету, балетмейстер,
на второй внутренней странице — список персонажей и их исполнители,
на третьей, уже внешней, странице — большой список людей, работавших над созданием спектакля: сотрудники литературной части театра, установщики декораций, декораторы, бутафоры, реквизиторы, костюмеры, гримеры.

Портретная галерея — это витрина театра, она должна привлекать внимание зрителей

Театр Пушкина в Москве, монтаж декораций, вид со сцены в зрительный зал / фото Алены Патрикеевой

«Строение» театра

Алексей ассоциирует театр с человеком. Опора человека – ноги, так же и у театра. Одна нога символизирует грусть, то есть трагедию, а другая – радость, то есть комедию. Это базис театра. По мнению Алексея, сейчас мало комедий в чистом виде, по-настоящему смешных: «Комедия – это не смешно, не грустно, а странно». Российский театр хмурый в 99% случаев. Исключение – спектакль «О-й. Поздняя любовь» Лаборатории Дмитрия Крымова. Среди нижегородских спектаклей Алексей выделяет «Укрощение строптивой» в театре «Комедiя».

Театр развивается, использует новые выразительные средства, появляются другие жанры. Благодаря голосу рождается опера, через слово возникает драма, а с помощью танца появляется балет.